GRANDE FÊTE GITANE

Né à Bergen, en Norvège, Truls Mørk est l’un des plus illustres violoncellistes de notre temps. Très tôt dans sa carrière, après avoir étudié le violoncelle avec son père et avec le grand violoncelliste Heinrich Schiff, il remporte plusieurs prix internationaux, dont le Concours Tchaïkovski de Moscou, le Concours Naumburg à New York, le Concours Cassado à Florence et le Prix Unesco à Bratislava.

Ces dernières années, Truls Mørk a été l’invité des plus prestigieux orchestres internationaux, comme le Philharmonique de Berlin, Le Philharmonique de Vienne, l’Orchestre de Paris, l’Orchestre du Concertgebouw d’Amsterdam, le London Philharmonic, L’Orchestre du Gewandhaus de Leipzig, le NHK Symphony de Tokyo, le Chicago Symphony, le Los Angeles Philharmonic et le New York Philharmonic.

De plus, il collabore régulièrement avec les plus grands chefs d’orchestre d’aujourd’hui, tels que Gustavo Dudamel, Riccardo Chailly, Yannick Nézet-Seguin, Christoph von Dohnányi, Charles Dutoit et Simon Rattle.

Très actif dans le domaine de la musique de chambre, Truls Mørk se produit régulièrement avec des artistes de grande renommée, tels que Yefim Bronfman, Hélène Grimaud, Gil Shaham, ou encore Lisa Batiashvili. Il s’est produit en récital dans des salles et festivals légendaires, tels que le Wigmore Hall à Londres, le Théâtre des Champs-Elysées à Paris, le Palais des Beaux-Arts à Bruxelles, le Verbier Festival, et le Menuhin Festival de Gstaad.

Truls Mørk est un passionné de musique contemporaine, pour laquelle il a voué une vaste partie de sa carrière. Il a donné la création moniale de plus de trente pièces pour violoncelle et de nombreuses œuvres ont été composés pour lui, par les plus célèbres compositeurs de notre temps.

Truls Mørk a enregistré de nombreux albums pour de prestigieux labels, tels que Virgin Classics, EMI et Deutsche Grammophon. Ses enregistrements ont été nominés aux Grammy Awards et primés par de nombreux prix internationaux, dont un Gramophone Award, un Prix du Midem et un ECHO Klassik.

Samuel Rouesnel, ou par son nom de scène Samuelito, est reconnu comme l’un des guitaristes de flamenco les plus virtuoses et fascinants de la jeune génération. Né en 1993, il commence la guitare classique à l’âge de sept ans mais très vite, il se découvre une passion pour les musiques du monde et en particulier pour les musiques traditionnelles et populaires espagnoles.

Encore adolescent, Samuelito décide de mener une double formation, l’une en guitare classique et l’autre en guitare de flamenco. Très rapidement, il est repéré par les plus grands maîtres de guitare flamenco, des musiques du monde et du jazz, comme Paco de Lucía, Tomatito, Vicente Amigo, Ramón Sanchez, Roland Dyens, ou encore Ibrahim Maalouf. Ces rencontres vont mener Samuelito sur de nouvelles routes musicales et feront de lui un guitariste éclectique qui maitrise de nombreux styles et genres artistiques.

Son premier concert public, à l’âge de seize ans, est retransmis par la télévision et fera immédiatement sensation. Dès lors, il est invité à se produire dans le monde entier, avec des artistes et des groupes de renommée internationale.

À la fois interprète et compositeur, et solidement ancré dans la tradition « flamenca », Samuelito possède un langage musical original, personnel et hors des sentiers battus. Régulièrement invité à accompagner les plus grands chanteurs et danseurs de flamenco d’aujourd’hui, il continue à mener une carrière exceptionnelle également dans les domaines classique, jazz et rock.  

Malgré son jeune âge, Samuelito a déjà sorti plusieurs albums, tous loués et récompensés par la presse. Ses nombreux talents l’amènent également à participer à la composition et à l’enregistrement de musiques de films et à donner des master classes à l’international, en tant que de guitariste classique et flamenco.  

Grâce à son charisme enivrant, sa virtuosité épatante et ses capacités rythmiques explosives, Ismail Lumanovski est reconnu à travers le monde comme l’un des clarinettistes les plus fascinants de notre temps. Né à Bistol, en Macédoine, il est l’un des rares artistes à mener simultanément deux carrières parallèles, l’une en tant que musicien classique et l’autre en tant qu’improvisateur-interprète de musiques folkloriques.

Lauréat de nombreux de concours internationaux en Europe et aux États-Unis, Ismail Lumanovski s’est produit dans les plus importants festivals et salles de concert autour du monde, tels que le Carnegie Hall à New York, la Salle Pleyel à Paris, le Beijing Concert Hall à Pékin, la Luzerner Saal à Lucerne, le Severance Hall à Cleveland, le Berklee Performance Hall à Boston et le Emirates Palace à Dubai.

Considéré comme l’un des plus grands spécialistes de musiques balkaniques, tziganes et turques, Ismail Lumanovski est invité à se produire avec les plus grands artistes et groupes de world music, comme Al di Meola, Selloane Nkhela, Marcel Khalife, Husnu Senlendirici, ou encore le Berklee Middle Eastern Fusion Ensemble. Dans le domaine classique, Ismail Lumanovski s’est produit comme soliste avec des chefs d’orchestres prestigieux, tels que Pierre Boulez, ainsi qu’avec des orchestres et ensembles de grande renommée, tels que le Deutsche Kammerphilharmonie, le Lucerne Festival Orchestra ou encore le New Juilliard Ensemble.

Dévoilant un dialogue unique en son genre entre cultures orientales et occidentales, entre musiques écrites et improvisées, ainsi qu’entre passé et présent, les trois derniers albums d’Ismail Lumanovski, “Soundscapes”, “Dromomania”, and “Three of US”, ont tous été primés par de nombreux prix et distinctions à l’international.

Avec son groupe, le New York Gypsy All-Stars, Ismail Lumanovski donne de nombreuses tournées en Asie, en Amérique Latine et en Australie. Alliant jazz, musiques balkaniques, improvisations, rythmes tziganes et musique classique contemporaine, les performances de cet ensemble atypique ont récemment été décrites par la presse américaine comme « inoubliables » et « ahurissantes ».

Compositeur, arrangeur, violoniste et multi-instrumentiste éclectique, Jonathan Keren a reçu de nombreux prix internationaux pour ses œuvres en Europe, en Asie et aux États-Unis.

Ses pièces sont régulièrement jouées dans les plus importants festivals et salles de concert à travers le monde, tels que le Carnegie Hall et le Lincoln Center ade New York, le Tanglewood Music Festival de Boston, le Musée du Louvre à Paris, la Philharmonie de Berlin, l’Elbphilharmonie de Hambourg, l’Opéra de Tel Aviv, le Tivoli Hall de Copenhague, le Seoul Arts Center, et le Musashino Concert Hall à Tokyo.

Jonathan Keren a étudié la composition à la Juilliard School de New York avec deux grands compositeurs américains, Samuel Adler et Milton Babbitt. Il a ensuite été nommé Compositeur en Résidence de la Fountain Chamber Music Society de New York, pour un mandat de quatre ans. En 2004, il reçoit le ASCAP Award, l’un des plus prestigieux prix dans le monde de la composition.

En 2007, sa pièce pour piano seul Fantaisie, mais deux Fantastrophes, paraît chez le label Naïve et est ensuite interprétée dans de nombreuses salles de concert et festivals à travers le monde, par divers pianistes. En 2011, Jonathan Keren écrit le livret et compose la musique d’un nouveau spectacle musical singulier, basé sur la célèbre œuvre de Nicolaï Gogol, Le journal d’un fou.

En tant que violoniste, Jonathan Keren s’est produit avec de nombreux ensembles et orchestres à travers le monde, dans des répertoires extraordinairement variés, allant du baroque et du classique à la musique folklorique irlandaise, turque, tzigane, balkanique et klezmer, en passant par le jazz, le rock et le blues.

Récemment, il a participé́, en tant que violoniste, compositeur, arrangeur et improvisateur à l’album du Geneva Camerata, Sounds of Transformation, paru à l’international chez Sony Classical.

Virtuose des instruments de percussion, compositeur, arrangeur et improvisateur ingénieux, John Hadfield est acclamé à l’international pour ses performances à couper le souffle, dans les domaines de la musique contemporaine, du jazz, des musiques du monde et des musiques expérimentales. Récemment, la presse américaine a dit de lui : « grâce à sa virtuosité ahurissante, il réussit à faire croire à ses auditeurs qu’ils sont en train d’écouter un ensemble de percussionnistes jouant simultanément, et non pas une seul interprète ».

L’un des rares percussionnistes à mener plusieurs carrières musicales parallèles, John Hadfield se produit régulièrement avec de célèbres artistes classiques, comme Yo Yo Ma et Daniel Hope, avec des ensembles de musique contemporaine comme Bang on a Can et The World Percussion Ensemble, avec artistes et groupes de jazz comme Kenny Werner, Bobby Watson et le Lincoln Center Jazz Orchestra, ainsi qu’avec des artistes de musique du monde comme David Krakauer ou Kinan Azmeh.

John Hadfield a participé à plus de cent albums et bandes sons, allant de pièces contemporaines en tant que soliste, à des interprétations dans le cadre de musiques de films américains. Récemment, John Hadfield est invité à participer, en tant que percussionniste et improvisateur, à la bande son du film américain « Joker », qui a ensuite été auréolé de plusieurs Oscars et prix internationaux.

John Hadfield a récemment sorti deux albums de ses propres composition, The Eye of Gordon et Displaced. Dans le cadre de ces projets expérimentaux, John Hadfield explore de nombreuses nouvelles techniques avant-gardistes et modes de jeux novateurs, tout en se produisant sur plus de vingt différents instruments de percussion. De plus, il a composé et interprétés plusieurs pièces destinées à des projets chorégraphiques interprétées par diverses des compagnies de danses et danseurs en solo, aux États-Unis et en Europe.

Mis à part sa carrière d’interprète, compositeur et improvisateur, John Hadfield est également passionné par l’enseignement et la transmission du savoir à la nouvelle génération de percussionnistes. Il est professeur de percussion et de jazz à l’Université de New York, à la New School de New York et donne de nombreuses master classes à travers le monde.

Sacré Révélation aux Victoires de la Musique et distingué à cinq reprises par le New York Times, David Greilsammer est reconnu comme l’un des artistes les plus audacieux de sa génération. Chef d’orchestre et pianiste, il porte une affection particulière aux projets innovants, à la création contemporaine et aux passerelles entre les arts et les cultures.

Paru chez Sony Classical, le dernier album en solo de David Greilsammer, Scarlatti: Cage: Sonatas, a été primé par de nombreux prix internationaux. Le programme de ce disque, qui présente une rencontre insolite entre les sonates de Domenico Scarlatti et de John Cage, a été donné dans plus de cinquante villes à travers le monde.

Depuis de longues années, David Greilsammer est reconnu pour ses interprétations des œuvres de Mozart, un compositeur auquel il a consacré plusieurs albums. À Paris, David Greilsammer a créé l'événement en interprétant en une journée « marathon » l’intégrale des sonates pour piano, et plus récemment en dirigeant du piano les vingt-sept concertos de Mozart, en une seule saison.

Directeur musical et artistique du Geneva Camerata, David Greilsammer s’est récemment produit comme chef et comme soliste avec le BBC Philharmonic Orchestra, l’Orchestre Symphonique de San Francisco, le Philharmonique de Radio France, le Tokyo Metropolitan Symphony, l’Orchestre du Mozarteum de Salzbourg, le Hong Kong Sinfonietta et l’Orchestre National du Mexique.

Ses récitals en solo, présentant toujours des programmes éclectiques et novateurs, ont été donnés au Concertgebouw d’Amsterdam, au Lincoln Center de New York, au Kennedy Center de Washington, au Wigmore Hall de Londres, au Verbier Festival, au Suntory Hall de Tokyo, à la Elbphilharmonie de Hambourg et au Théâtre de la Cité Interdite à Pékin.

Nommé Labyrinthe, le nouveau récital David Greilsammer a été décrit par la presse américaine comme « fascinant et courageux ». Ce programme inédit, qui fera l’objet d’un nouvel album à paraître cette saison, sera donné en tournée à travers l’Europe, l’Asie et les États-Unis.